Au début du film de Pascal Bonitzer Enchères, André (Alex Lutz). un marchand d'art égoïste et sordide, apaise un propriétaire d'art condescendant, cruel et raciste. « Rien ne doit reculer pour une vente », explique-t-il à son stagiaire.
Le film français donne vie avec vivacité au monde trompeur et hypocrite des marchands d'art prestigieux opérant dans un univers parisien d'escroquerie et de mauvaise foi.
Basé sur une histoire vraie, il raconte ce qui s'est passé en 2005, lorsqu'une œuvre majeure de l'artiste expressionniste Egon Schiele, « Tournesols fanés », a été découverte dans une maison de la banlieue de Mulhouse, en France.
Le tableau de 1914 appartenait à l'origine au collectionneur juif autrichien Karl Grunwald et avait été vu pour la dernière fois en public au Jeu de Paume à Paris en 1937. En 1938, Grunwald quitta Vienne pour Paris, conservant autant de tableaux que possible dans une unité de stockage. Ils ont finalement été pillés et vendus aux enchères.
Grunwald parvint en Amérique, tandis que sa femme et ses enfants furent tués dans des camps de concentration. Pendant le reste de sa vie, il tenta en vain de récupérer ses tableaux volés. Après son décès en 1964, l'un de ses fils a persévéré dans la poursuite de son défunt père.
Bonitzer place le Schiele dans la maison de Martin (Arcadi Radeff), un jeune ouvrier d'usine hautement moral, sans doute sentimentalisé, qui n'a aucune idée de sa valeur monétaire ou de son histoire. Les notions de « provenance » lui sont étrangères ; il aurait besoin d'un peu d'argent et veut juste faire ce qu'il faut. Les héritiers légitimes aussi.
Toute l'histoire se termine sur une note positive puisque le tableau est vendu aux enchères et le jeune ouvrier reçoit une part égale dans la vente.
On estime que plus de 600 000 tableaux, objets décoratifs et autres objets de valeur esthétique et culturelle ont été sommairement volés aux Juifs pendant la guerre. Environ 100 000 n’ont jamais été retrouvés.
Enchères n'est que le dernier d'une longue lignée d'ouvrages centrés sur l'art pillé par les nazis.
Le film le plus connu de ce sous-genre est peut-être celui de 2015. La Femme en Or, qui mettait en vedette Helen Mirren dans le rôle de la patricienne Maria Altmann, qui travaille en tandem avec son avocat acharné pour récupérer six tableaux de Gustav Klimt, dont un portrait de la tante de Maria, Adele Bloch-Bauer I.
Il semblerait évident que toute œuvre d’art volée soit restituée à ses propriétaires d’origine ou, plus généralement, à leurs héritiers. Pour certains, cependant, il s’agit d’une zone plus grise remplie de questions morales et juridiques, à commencer par la manière dont l’œuvre a été obtenue. A-t-il été acheté de bonne foi ? Si les propriétaires actuels (ajoutons « s ») ne connaissaient vraiment pas ses origines, devraient-ils être autorisés à le conserver ? Dans la négative, quel montant d’indemnisation devraient-ils recevoir, le cas échéant ?
Et, plus largement, qui devrait posséder du grand art : un collectionneur privé ou un musée ? Le public n'a-t-il pas le droit de voir du grand art ? Ne vaudrait-il pas mieux qu'un musée possède et expose l'œuvre plutôt qu'une famille qui la cache dans son sous-sol ?
L’un des éléments les plus intéressants de l’histoire de « Gold », également abordé dans les documentaires Les vœux d'Adèle et Voler Klimt Le gouvernement autrichien affirmait qu'Adele, qui avait succombé à une méningite en 1925, avait en fait laissé le tableau à son mari, avec la condition qu'à sa mort, il irait à la galerie autrichienne. C'était donc à juste titre le leur.
Mais si le testament existait – et cela était discutable – était-il juridiquement contraignant puisque le mari d'Adèle avait été contraint de fuir le pays à la suite de l'annexion de l'Autriche par l'Allemagne, qu'Adèle n'avait aucun moyen d'anticiper ? Son testament, s'il y en avait un, reposait sur l'idée qu'il mourrait chez lui et que sa collection d'art resterait intacte et en sa possession à son décès.
Le viol d'Europe, un documentaire complet et détaillé sur l'art pillé aborde également le dilemme entourant le portrait d'Adèle, mais il place le crime dans un contexte plus large, en considérant les questions qui émergent lorsqu'un pays ou une culture s'approprie l'art d'un autre. Il n’en demeure pas moins que l’exemple le plus flagrant est la saisie par les nazis de l’art juif.
Une grande partie de l’art en question, moderne, abstrait et acclamé par Picasso, Kandinsky, Klee, et appartenant en grande partie à des collectionneurs juifs, tombait dans la catégorie qu’Hitler qualifiait de « dégénérée », ce qui lui donnait l’occasion de déshumaniser davantage ces propriétaires. La plupart des tableaux ont été détruits tandis que d'autres ont été vendus pour d'énormes profits afin de financer une accumulation massive d'armements pour le Troisième Reich.
Le documentaire, Le Portrait de Wally, est un réquisitoire criant contre le MoMA et d’autres grandes institutions artistiques américaines qui ont soutenu le MoMA lors d’un épisode peu exemplaire de 1997.
Le film raconte le brouhaha entourant le tableau d'Egon Schiele représentant sa maîtresse Wally, propriété de Lea Bondi, une marchande d'art juive autrichienne avant qu'il ne soit saisi par les nazis en 1939.
Avant d'atterrir au MoMA, il se trouvait dans le musée autrichien de Rudolph Leopold. Léopold était un double marchand classique, prétendant être du côté des propriétaires d'origine et de leurs héritiers alors qu'en réalité il n'avait pas l'intention de céder le tableau.
Mais lorsque le tableau a été prêté au MoMA, les héritiers Bondi ont exigé qu'il leur soit restitué. Rudolph a refusé, ce qui a conduit à une enquête criminelle de 13 ans lancée par le procureur du district de New York, Robert Morgenthau, période pendant laquelle le tableau a été détenu par le gouvernement des États-Unis.
Selon le film, le MoMA et d’autres institutions artistiques se sont rangés du côté de Rudolph parce qu’ils craignaient que s’aligner sur la famille juive signifie que les musées du monde entier ne prêteraient plus leurs œuvres aux musées américains, de peur de perdre leurs œuvres ou de devoir payer beaucoup d’argent pour les récupérer.
Les films centrés sur l'art pillé par les nazis existent depuis des décennies, comme le thriller d'action de John Frankenheimer de 1965. Le train avec Burt Lancaster ; et 39 ans plus tard, celui de George Clooney Le Monuments Hommes, tous deux vaguement inspirés d'événements factuels.
Se déroulant en 1944, peu avant la fin de la guerre, Le train est le récit plein de suspense et bien joué d'un résistant français (Lancaster) déterminé à intercepter un train transportant des œuvres d'art pillées par les nazis de la France vers l'Allemagne sans les détruire.
Situé à la même époque, le film étoilé Monuments Hommesco-écrit et réalisé par George Clooney et mettant en vedette Clooney, Matt Damon, Bill Murray et Cate Blanchett, entre autres, dépeint une unité d'historiens et d'archivistes en mission pour localiser et récupérer des œuvres d'art à travers l'Europe avant que les nazis n'aient la chance de les voler et de les détruire.
Malgré le calibre des talents impliqués, par exemple, le film a été considéré comme problématique en raison de son incapacité à souligner que beaucoup, sinon la plupart, de ces œuvres d'art appartenaient à des Juifs et avaient été brutalement confisquées aux propriétaires d'origine, dont beaucoup avaient été emmenés dans des camps de concentration pour être tués.
Clooney et son co-auteur juif ont déclaré que leur objectif n'était pas d'explorer l'expérience d'un groupe particulier, mais la signification profonde du grand art et la violation qui est perpétrée lorsqu'il est volé, ou pire, détruit.
Les films de Clooney et de Frankenheimer abordent également le dilemme moral de savoir si un grand tableau a plus de valeur qu'une vie humaine. Si le risque de sauver l’art est si élevé, cela vaut-il la peine de le prendre ?
Pour moi, le film le plus touchant sur l'art perdu est le documentaire d'Elizabeth Rynecki de 2018. À la poursuite des portraits, son effort de première année. Même si – peut-être précisément parce que – cela ressemble parfois plus à un film amateur qu’à un film professionnellement perfectionné, il révèle un noyau émotionnel émouvant de manière inattendue.
Tout aussi pertinent, son film se concentre sur des peintures dispersées après la guerre. Ils ont peut-être été pillés ou non, mais leur sort était directement lié au régime nazi qui a forcé les résidents juifs à s'enfuir sans leurs précieux biens.
Rynecki a grandi entourée de l'art de son arrière-grand-père Moshe Rynecki, assassiné à Majdanek en 1943. Ses œuvres expressionnistes évocatrices dépeignent la vie quotidienne des Juifs polonais avant l'Holocauste. Sur ses 800 œuvres estimées, 120 sont conservées dans des musées polonais et israéliens et dans des collections privées à l'étranger.
Tout au long de sa vie, Rynecki a voulu voir ces œuvres, non pas pour les récupérer, mais pour découvrir comment elles avaient abouti là où elles se trouvaient. Elle est historienne et témoin, l'art de son arrière-grand-père étant un lien avec sa famille, son héritage juif et un monde disparu à jamais.
Le film la suit lors de son voyage du Canada à la Pologne et à Israël où elle est tour à tour considérée avec suspicion ou plus généralement carrément snobée. De nombreux propriétaires, dont certains juifs, ne peuvent pas croire qu'elle n'est pas là pour la restitution. Dans l'une des scènes les plus fortes, un collectionneur polonais, un gentil, emballe et remet spontanément à Elizabeth l'un des tableaux de son arrière-grand-père.
C'est une histoire qui perdure et continuera sans aucun doute à inspirer davantage de documentaires et de longs métrages. Juste cette semaine, Le gardien a rapporté que les héritiers d'un couple juif poursuivent le Metropolitan Museum of Art de New York pour un tableau de Vincent van Gogh qui, selon eux, a été pillé par les nazis.
« Auction » est actuellement projeté à New York au Film Forum.
