Il est rare que l’on entre dans un film qui résonne avec sa propre vie. Pour moi, Le brutaliste est un tel film.
Il combine les thèmes de l'Holocauste, d'Israël, de l'immigration, du capitalisme, de l'architecture et des luttes pour donner un sens à tout cela.
Le film dépeint un architecte hongrois formé au Bauhaus qui atteint les côtes américaines après son incarcération dans des camps de concentration. En tant qu'immigré, il entre dans un monde de désespoir et de pauvreté, de petits boulots et de toxicomanie. Cela peut paraître trop romantique, mais cela crée néanmoins une image symbolique de la tragique perte d’identité et de la désillusion à l’égard du Nouveau Monde.
Que signifie le nom Le brutaliste signifie vraiment ? Est-ce que la brutalité du monde exige d’être contrée par la lumière de la raison ? Ou bien est-ce que l’histoire brutale du XXe siècle, avec ses régimes totalitaires et ses camps de concentration, a donné naissance à des formes symbolisant la résistance à l’autorité ? La « brutalité » est-elle une raison, ou est-ce une reconnaissance du fait qu’après l’Holocauste (et Hiroshima), l’architecture ne sera plus jamais la même ?
Sans confondre le titre du film avec le style brutaliste des années 1960 et 1970, on constate tout au long du film que l'architecture n'est pas un simple style, mais qu'elle reflète toujours les tensions de la société dans laquelle elle existe ainsi que l'étonnante complexité du paysage. monde.
Le protagoniste, Laszlo Toth, interprété avec brio par Adrian Brody, est invité par hasard à réaménager une vieille bibliothèque dans la résidence ostentatoire d'un homme riche. En cours de transformation, il crée un nouvel espace emblématique et brillant, plein de lumière et de clarté poétiques. Sa structure minimaliste, son savoir-faire inventif et son vide libérateur sont époustouflants. La chaise longue en acier courbé et la lampe qui l'accompagne au centre sont emblématiques des réalisations du style international. Le dénouement de cette scène est que le riche propriétaire pense que l'espace purifié est un déchet qui a ruiné sa maison.
En écrivant ceci, je me demandais pourquoi cette scène avait eu un impact si puissant sur moi. Et puis j’ai réalisé que cela me rappelait de manière poignante la première fois que j’avais présenté les dessins du Vide au Musée juif de Berlin. Il y avait de l'indignation à l'idée qu'une telle structure de vide ait sa place dans un musée, même avec sa signification intrinsèque.
La scène de transformation de l’ancien en nouveau montre la confrontation radicale non seulement de la forme de l’espace, mais aussi de visions du monde irréconciliables. Quelles sont les origines du projet de l'architecte, de notre protagoniste ? Sa formation en architecture est enracinée dans l'idée du modernisme qui nettoie l'ancienne architecture construite pour les riches et crée des compositions épurées et esthétiquement sophistiquées pour un monde démocratique.
Lorsque le riche propriétaire réalise enfin la valeur de sa nouvelle bibliothèque (des photos de celle-ci sont publiées dans des magazines remarquables) et examine attentivement le curriculum vitae de son architecte, il embrasse l'architecte et croit qu'il a enfin attrapé les ailes du futur. .
Il charge ensuite l'architecte de concevoir le centre culturel et la chapelle de ses rêves surplombant une ville de Pennsylvanie. Et c'est là que commence le film de Brady Corbet, qui explore le monde odieux et corrompu du capital, de l'ego et du pouvoir qui accable les ressources de l'architecte.
Cela aussi a sonné une cloche dans ma tête. Dans les projets sur lesquels j’ai travaillé, comme Ground Zero, les luttes entre pouvoir et design étaient visibles de tous. Et les compromis nécessaires pour concilier ces intérêts contradictoires, afin de produire quelque chose de valeur, m'ont appris qu'il n'y a pas d'autre façon de construire une architecture.
Notre héros se heurte à son client, qui a fait venir sur place son propre chef de projet et un autre architecte. Cela semble assez innocent jusqu'à ce que nous découvrions que ces hommes de main ont été embauchés par le client pour manipuler et renverser l'intégrité de la conception. L'architecte voit ces manipulations comme une destruction de son œuvre.
Laszlo Toth, le protagoniste, lutte contre les interférences avec sa conception, le mépris de son expertise et la corruption du système. Il se rend compte que son succès antérieur en tant que jeune maître architecte dans la Hongrie d’avant-guerre contraste fortement avec son rôle diminué dans l’Amérique d’après-guerre. Ici, il voit que les routards et les marchands n'ont aucune idée de la culture mais seulement de l'argent ; aucune idée de design mais seulement de profit ; aucune idée d'excellence mais seulement de médiocrité. L'architecture est considérée uniquement comme une marchandise de l'économie capitaliste.
Les sombres subversions, qui concernent des changements substantiels de matériaux et de structure physique, sont elles-mêmes contrées et vaincues par Toth grâce à l'utilisation ingénieuse d'un élément de conception non matériel : un rayon de lumière qui, à un moment particulier de la journée, illumine la croix. au centre du bâtiment. Moi aussi, j'ai utilisé une telle idée à Ground Zero avec le Wedge of Light. La lumière en architecture, comme l’a montré Toth, peut rivaliser avec ce que les matériaux ne peuvent pas rivaliser. La lumière peut déplacer des tonnes de béton en éclairant ce qui n’est pas présent sous forme matérielle, comblant ainsi une lacune en insérant sa cause dans la lumière.
Lorsque nous voyons les difficultés de Toth pour s'adapter à la dure vie en Amérique, nous sommes également témoins des routes qu'il n'a pas empruntées.
Au début du film, on entend à la radio, en hébreu, l'annonce de la création de l'État d'Israël. Ironiquement, de tous les pays du monde, c’est Israël qui a eu le plus grand impact sur les architectes formés au Bauhaus. Ils voyaient le jeune pays comme une utopie, dans laquelle la liberté et l'égalité offriraient les fruits d'une expérience européenne qui s'est terminée de manière catastrophique avec la fermeture du Bauhaus par les nazis et les exterminations qui ont suivi. Israël est devenu le seul pays dans lequel l'architecture Bauhaus a perduré. La Ville Blanche née à Dessau a été réalisée à Tel-Aviv avec plus de 4 000 bâtiments Bauhaus. Quel étrange destin de rêves.
Il y a une scène dans un appartement exigu de New York, où Laszlo et sa femme discutent avec sa nièce enceinte de son projet imminent d'émigrer en Israël. Ils tentent de la décourager, elle et son mari, de partir en leur montrant l'horizon de difficultés qu'ils rencontreront dans le jeune État juif. Sa nièce, cependant, est résolue à partir et le fait. Son silence laisse entendre implicitement la possibilité que le succès soit mieux apprécié par ceux qui sont prêts à échouer.
En concluant ces réflexions, je souhaite réfléchir aux premières scènes du film, où l'architecte émerge de l'obscurité de la cale du navire à la lumière de la Statue de la Liberté. Et c’est peut-être la scène qui éclaire le mieux les luttes, les douleurs et la violence que nous avons vues dans le film.
L'observation de la Statue de la Liberté depuis le pont d'un navire rempli d'immigrants, c'est quelque chose que Lazlo Toth et moi partageons. Malgré les revers de la démocratie américaine, les troubles politiques, la dictature de la technologie numérique, les forces réactionnaires et la montée de l’antisémitisme, cet emblème unique continue de définir symboliquement les portes de New York et de l’Amérique :
Donne-moi ton fatigué, ton pauvre,
Vos masses regroupées aspirent à respirer librement,
Les misérables détritus de votre rivage grouillant.
Envoyez-moi ces sans-abri, ces tempêtes,
Je lève ma lampe à côté de la porte dorée !
Rien ne symbolise mieux les épreuves et les espoirs de l'immigré que la scène du film dans laquelle Laszlo Toth, au chômage, démoralisé et souffrant, creuse un grand tas de charbon avec une pelle. Le monticule de noirceur et de sueur est viscéral. Quelque temps, bien plus tard dans le film, lorsqu'il est enfin reconnu comme un architecte important, nous le voyons dans un studio utilisant du fusain à grands traits pendant qu'il esquisse un dessin.
Le même matériau, le charbon, représente les deux extrêmes, le travail le plus dur qu’un homme puisse accomplir et les sommets de créativité auxquels il peut s’élever. La brutalité du temps, les accidents de la vie et les rencontres aléatoires façonnent le destin plus que le calcul et le rêve. Le brutaliste semble être celui qui est projeté dans le temps et qui trouve son destin dans cette incertitude. Il est façonné et enraciné dans un monde d’incertitude, d’instabilité, de souffrance et de troubles.
Le brutaliste est un film brillant. Quand je pense à La source et son héros auto-impressionné et le film ridicule Mégalopole dont le futuriste est ivre de lui-même, je vois le brutaliste Laszlo Toth comme un mensch qui a triomphé sans vendre son âme.
