La révision d'une émission par un homonyme est une expérience bizarre. C'est comme arriver dans une réalité alternative où les panneaux vous rappellent partout que vous avez fait des objets que vous n'avez jamais vus auparavant.
Lorsque j'ai commencé à écrire pour l'attaquant il y a 20 ans, les gens m'ont confondu avec un tas d'autres Dan Friedmans, dont le romancier publié, le journaliste, correspondant de droite pour le Wall Street Journal. Très peu de gens pensaient que j'étais le designer visionnaire Dan Friedman depuis qu'il était déjà mort depuis une décennie – mais il était l'un des plus fascinants du groupe. En effet, avec une éducation européenne, une affiliation à Yale et un amour pour New York, lui et moi avions plus en commun que la tête chauve sur la couverture de son livre Modernisme radical.
Cette dernière exposition de Dan Friedman, «Pourquoi ne devrais-je pas m'amuser toute la journée», actuellement exposée à Superhouse, montre l'approche ludique et bordeuse du défunt de l'art. Installé dans deux chambres de la taille d'un appartement, des meubles et des décorations colorés joyeux font allusion à la politique sociale du tournant du millénaire. Plus qu'une simple rétrospective, le spectacle est une célébration de la vision radicale de Friedman – qui a rejeté les structures rigides de la culture d'entreprise en faveur d'une esthétique moderniste qui est expressive, syncrétique et profondément idiosyncratique.
Le moment de conception UR de Friedman est arrivé à la fin des années 50 à l'âge de 12 ans et sa famille a emménagé dans leur «maison de rêve» à Cleveland, Ohio. En 1994, il a déclaré au magazine Eye qu'il «avait été exposé au processus de regarder cette maison de rêve prendre forme. Mes parents, en particulier ma mère, étaient activement impliqués dans les décisions sur la façon dont la maison serait aménagée, les couleurs et le décor. J'ai été fasciné par ce processus, les premières inclinations dont je me souviens d'avoir été intéressée par la conception de toute sorte. »
«Fun toute la journée» revient à cette origine en présentant de nombreuses pièces que Friedman avait dans sa propre maison. Le lieu est lui-même approprié idiosyncrasique, situé au sixième étage à peine étiqueté d'un bâtiment anonyme dans le quartier chinois. Bien que l'exposition soit un affichage fixe pour sa durée de 6 semaines, au cours de cette période, la stase serait inhabituelle pour Friedman dans son appartement qu'il repeindreait, réorganiser et redécorer constamment. À juste titre, ses pièces les plus emblématiques sont des écrans qui divisent une pièce, mais transforment également l'espace avec la couleur, les lumières et – sur l'un des deux objets en rotation. Le manifeste qu'il a exposé pour le design moderniste est progressif, personnel et humaniste.
Après que Friedman soit retourné aux États-Unis en 1969 de sa formation diplômée en tant que graphiste en Allemagne et en Suisse, il a enseigné à Yale avant de travailler dans la conception d'entreprise du milieu à la fin des années 70. Plus tard, il a enseigné à Yale aux côtés d'autres praticiens des enseignants comme Paul Rand (qui a conçu des logos emblématiques pour IBM, UPS et Enron entre autres), mais il a fini par rejeter le monde de la conception d'entreprise en faveur du monde de l'art, devenant ce que l'Institut d'art de Chicago a appelé l'un des «figurines de design expérimentales de sa génération».
Il a déclaré que le design moderniste avait vendu ses propres idéaux – «le modernisme a perdu sa revendication d'une autorité morale lorsque les concepteurs l'ont vendu comme style d'entreprise.» Son approche de ce nouveau monde de design a embrassé La rigueur de ces principes modernistes s'appliquait correctement – comme il l'a vu – avec le chaos désordonné et joyeux de postmodernisme.
Au lieu de travailler pour un monde d'entreprise sans âme pendant la journée et de s'amuser à concevoir avec la scène de New York dans la soirée (il était un ami de Keith Haring et a également travaillé avec lui), il a quitté son emploi et est devenu un designer moderniste radicaliste professionnel à plein temps. Inscrit à apporter de l'art, de l'humanité, de la chaleur, de la couleur et du plaisir de la nuit à la journée, il a travaillé à mettre le design et la technologie au service de l'ensemble de la population, mais pas dans le mode terne de la production de masse uniforme d'après-guerre.
Dans un essai dans Modernisme radicall'éminent conservateur Jeffrey Deitch note que la «version frite du monde contemporain» est une énorme interaction non hiérarchique du postmoderne mis à disposition pour l'humain individuel. Il mélange «artificiel et naturel», l'art des musées et des rues, électronique et analogique, «européen, américain, asiatique et africain». Il n'y a pas de place pour la nostalgie purpère dans le monde de Friedman ou la colère ignorante dans son esthétique. Il embrasse le «déviant et inacceptable» car il est «exactement dans l'excentricité et l'imprévisibilité que de nouveaux choix créatifs peuvent résider». Sa vision ne rencontre aucune «autre» qu'il n'embrasse pas – bien qu'il donne une courte réduction à la contrainte et à la thésaurisation des idées, de la conception et du capital du capitalisme tardif.
Le «plaisir toute la journée» est évident tout au long de la tension entre le jeu qui vient du traitement des différences individuelles avec respect et de la structure nécessaire à une bonne conception. Mais, même cette tension est une réprimande du désir de certitude dans le monde de l'entreprise des années 90 ou les hypothèses sectaires du caudillismo d'aujourd'hui.
L'exposition présente une gamme de travaux de Friedman, des meubles et des sculptures aux conceptions graphiques qui dégagent son mélange signature de géométrie audacieuse, de couleurs vives et d'éléments dessinés à la main. Ses pièces défient la catégorisation facile, existant quelque part entre les objets fonctionnels et les beaux-arts, entre la discipline du Bauhaus et l'irrévérence de New Wave.
L'une des idées clés que Friedman a défendues était que le design ne devrait pas être limité aux fins commerciales ou fonctionnelles – ce devrait être un moyen d'expression personnelle et artistique. Cette philosophie est au cœur du «plaisir toute la journée» – qu'il s'agisse d'une chaise décorée avec une qualité distinctement faite à la main ou une explosion typographique de couleur – nous invite à reconsidérer notre relation avec les objets du quotidien et à se demander pourquoi la gravité est si souvent privilégiée sur le jeu dans le monde de la conception.
Friedman est décédé des maladies liées au sida en 1995, mais ses idées continuent de résonner, ce qui rend «le plaisir toute la journée» plus qu'une rétrospective. Je pense que son travail nous invite à adopter la créativité et à refuser de se conformer aux attentes sociales récemment codifiées mais solennellement forcées. Il nous rappelle que, comme l'a fait valoir Friedman lui-même, la vie devrait être expérimentale, pas seulement maximiser l'efficacité en tant que rouage dans la machine d'entreprise. Tout le monde est différent – diable, même chaque Dan Friedman est différent – et le design devrait refléter la vie à être inclusif, à embrasser la joie et, oui, à s'amuser toute la journée.
« Pourquoi ne devrais-je pas m'amuser toute la journée»Par Dan Friedman est exposé jusqu'au 22 mars à Superhouse, 120 Walker Street 6R, New York, NY.
