Il y a quarante ans, une jeune fille d’une petite ville du Wisconsin s’asseyait près d’un piano et tournait les pages d’un cycle de chansons d’Arnold Schoenberg pour son grand-oncle Milton. Une soprano locale chantait. La composition de 15 poèmes constitue la première œuvre complète que Schoenberg base sur l’harmonie atonale, qui change la musique occidentale et fait de lui une icône de l’audace moderniste.
L’événement qui a tourné les pages de cette soirée de la fête d’une famille juive Musique haussière était Marilyn Nonken, qui dirige aujourd’hui le Département des professions de la musique et des arts du spectacle à l’Université de New York (NYU). Elle se souvient avoir été « fascinée et effrayée par la musique parce qu’elle ne ressemblait pas à la musique que je connaissais, celle de Beethoven ou de Mozart. Cela semblait fou, comme quelque chose qui découragerait les gens.
Le 4 février, Nonken rejoindra la soprano Deborah Norin-Kuehn pour une interprétation de l’œuvre — 15 poèmes du livre du jardin suspendu de Stefan George – pour partager pourquoi cela continue de l’inspirer. Le programme comprend également de courtes œuvres de Schoenberg pour piano solo, dont une d’une puissance compacte écrite pour les funérailles de Gustav Mahler.
Nonken est devenu connu pour avoir interprété des œuvres de Milton Babbitt et d’autres compositeurs contemporains influencés par Schoenberg (et certains qui sont allés dans d’autres directions). Ce sera la première fois qu’elle jouera le cycle de chansons phares qui l’ont transpercée il y a longtemps. « Je n’ai jamais eu le bon chanteur », a-t-elle expliqué.
Le public a souvent eu du mal avec la musique de Schoenberg, mais Nonken a souligné que le cycle de chansons, écrit entre 1907 et 1909, s’appuie sur son invention d’une nouvelle forme musicale mais contredit la vision populaire de lui en tant que créateur cérébral de systèmes abstraits insensibles. Lorsque Schoenberg l’a écrit, il n’avait pas encore développé la méthode complète des 12 tons qui faisait que d’autres qui ne s’y connaissaient pas le considéraient plus comme un théoricien que comme un artiste.
En fait, le cycle incarne le saut formel de Schoenberg dans le futur atonal tout en donnant une nouvelle voix au vieux traumatisme humain du chagrin.
Schoenberg a écrit cette œuvre alors que sa femme, Mathilde, entretenait une liaison passionnée avec Richard Gerstl, un peintre qui appartenait à son cercle d’amis proches et intimes à Vienne. Après que la relation ait été pleinement révélée, Gerstl s’est suicidé, Mathilde est revenue au mariage et le cycle de chansons a longtemps été associé à l’intensité de l’impact de l’épisode sur le compositeur. Il chante clairement des régions internes torturées, offrant une allégorie fragmentée sur le jardin d’Eden et sa perte.
« L’expérience personnelle et créative de Schoenberg a beaucoup à nous dire aujourd’hui parce que cette musique valorise l’expérience émotionnelle individuelle ; elle valorise la profondeur de la souffrance humaine et la richesse de l’engagement avec les autres », a déclaré Nonken.
Nonken a parlé de Schoenberg alors qu’elle était assise au piano dans son studio d’enseignement sur West 4ème Street, se tournant vers le clavier pour jouer les œuvres pour piano solo qui seront au programme. Elle a également joué des parties du cycle de chansons, qui passaient d’une acuité astringente à une tendresse envoûtante d’une manière qui sonnait comme un blues atonal et germanique.
La prochaine programmation rend hommage aux 150ème anniversaire de la naissance de Schönberg. Il est né le 13 septembre 1874 dans une famille juive à Vienne, où il a grandi et vécu avant de s’installer à Berlin.
Immergé dans l’antisémitisme familier aux Juifs européens, il se convertit au christianisme protestant en 1898. Il se reconvertira plus tard au judaïsme en 1933, après la montée d’Hitler. Au cours de sa vie de transformations, malgré ses difficultés d’émigré avec l’anglais, le compositeur est également devenu américain. Il s’installe à Los Angeles, où il socialise avec d’autres réfugiés hitlériens et influence de jeunes compositeurs américains.
Le concert à venir est l’un des nombreux programmes organisés par NYU dans le cadre d’un festival à l’échelle de la ville qui se tourne vers le passé comme un avertissement pour le présent. Initié par Carnegie Hall, « La chute de la République de Weimar — Danser sur le précipice » se déroule jusqu’en mai et propose une gamme interculturelle de concerts, d’expositions d’art et de lectures littéraires d’œuvres qui montrent comment les arts se sont nourris de l’angoisse de l’expérience allemande. en démocratie entre la fin de la Première Guerre mondiale et l’arrivée du gouvernement nazi en 1933.
Il y aura également une projection de Le Golem, un film de 1920 façonné par la sensibilité expressionniste présente dans une grande partie de la musique de Schoenberg. Les étudiants en musique de NYU interpréteront de la musique live pour le film. Le lien entre le programme Schoenberg et la République de Weimar n’est pas évident, mais les œuvres représentent le début d’une révolution musicale qui a fleuri pendant les années de Weimar.
Nonken venait de rentrer, lorsque nous nous sommes rencontrés, après des journées passées à répéter le cycle de chansons avec Norin-Kuehn chez elle dans le nord de l’État de New York. Norin-Kuehn, comme Nonken, a grandi dans une famille juive du Midwest, dans son cas de l’Ohio. Ils ont interprété ensemble d’autres œuvres de Schoenberg pour voix et piano.
Différents chanteurs ont interprété le cycle de chansons de Schoenberg-George de manières très différentes depuis sa première représentation en 1910. Certains ont été largement lyriques, d’autres plus tendrement intimes. Norin-Kuehn, qui m’a parlé au téléphone, m’a dit qu’elle et Nonken travaillaient dans ce sens.
« Nous nous sommes concentrés sur l’intimité personnelle de la pièce », a déclaré la soprano. « Nous approfondissons non seulement les mots mais aussi l’émotion derrière chaque phrase, comme le ferait un acteur de Method, en recherchant ce qui motive cette phrase, la connexion que vous pouvez trouver en vous-même pour qu’elle soit très réelle. »
Il n’y a pas de contenu ouvertement politique dans les œuvres du programme à venir, mais les deux interprètes ont déclaré qu’ils étaient très conscients du contexte politique dans lequel le festival du Carnegie Hall Weimar les place – le lien entre l’époque précédant la prise de pouvoir d’Hitler et les tendances actuelles. aux États-Unis, notamment l’antisémitisme.
George, qui n’était pas juif, a également été contraint de procéder à des changements douloureux pendant l’ère nazie. Les poètes le connaissaient pour faire progresser les traditions allemandes avec complexité et lyrisme. Mais les premières œuvres véhiculaient un sentiment nationaliste qui fut adopté par les nazis. Il devint un farouche antinazi qui refusa un poste au sein du gouvernement hitlérien et s’enfuit en Suisse, où il mourut.
En Amérique, Schoenberg continue d’évoluer. Il est devenu de plus en plus ouvert sur son sionisme passionné. Il a composé des pièces sur l’expérience juive. Son opéra inachevé, Moïse et Aaron, date d’avant son départ d’Europe. Ici, il a écrit UN Survivant de Varsoviel’une des œuvres les plus importantes sur les horreurs de l’Holocauste, ainsi qu’un décor pour Kol Nidré rempli de dissonances.
« Partager sa conscience d’être juif et combien il s’agissait d’une position très vulnérable, je pense, est devenu de plus en plus important pour lui à mesure qu’il vieillissait et que le monde changeait », a déclaré Nonken.
« Je ne sais pas si je me sens à l’aise d’apposer ma marque politique sur le programme », a-t-elle poursuivi en réfléchissant à ce sujet dans le cadre du festival de Weimar et de l’accent mis sur le sort de la démocratie. « Mais Schoenberg a cherché dans ses œuvres à exulter de l’expérience humaine et de l’importance de la vie intérieure humaine de l’individu, et cela est politique. »
