Un jour, une copine m'a fait un mix musical que je jouais jusqu'à ce que je connaisse chaque parole par cœur. Ce n’est que lorsqu’elle m’a brisé le cœur que j’ai réalisé tardivement que chaque chanson parlait d’une rupture. Entrer dans le musée juif contemporain de San Francisco fin 2024 et parcourir ses cinq expositions m'a procuré un sentiment de malheur similaire, bien que moins larmoyant. Avec le recul, chaque exposition semble préfigurer un élément de la situation difficile du musée.
À l’extérieur du bâtiment, trois des expositions sont présentées dans des couleurs vives. « Leah Rosenberg : Quand on voit un arc-en-ciel », avec ses œuvres d'art prismatiques aux couleurs éphémères comme un arc-en-ciel, est une exploration de la célébration de la rédemption dans l'évanescent. Le « California Jewish Open » est une collection diversifiée d’artistes s’identifiant comme juifs du Sunshine State et leurs liens avec leur identité ou leur histoire. Et « Firmament » de Nicki Green est une exposition nuancée qui met en avant la « destruction » et la « régénération » à l'intersection de la culture trans et juive.
L'agent de sécurité à l'entrée me rend mon téléphone en ajoutant « Les billets sont au guichet, l'entrée est gratuite jusqu'au 15 décembre ». Ce qu'elle veut dire, c'est que le CJM fermera ses portes le 15 décembre pour une période d'au moins un an, selon le directeur exécutif Kerry King sur le site Internet du musée. King, à son tour, veut dire que le musée juif le plus célèbre de San Francisco pourrait bien fermer définitivement. J, Les nouvelles juives de Californie du Nordcontinuera à rendre compte des détails, mais entre la politique, le Covid et la diminution du nombre de personnes dans le centre-ville de San Francisco, l'impact du CJM semble avoir diminué et la volonté de combler l'écart financier croissant entre le budget et les recettes a également diminué.
En passant du gardien au guichet, a-t-elle indiqué, les visiteurs assistent à certaines des performances qui composent « Looted ». Sur plusieurs écrans, les artistes créent puis effacent à plusieurs reprises des peintures pour indiquer les milliers d'œuvres d'art perdues et volées pendant l'Holocauste. C'est une idée simple et touchante. Je n'ai cependant pas pu m'empêcher de penser à toutes les expositions apparues et démontées au CJM et à toutes les expositions que le musée n'aura peut-être jamais l'occasion de présenter.
« Looted » rappelle également que sans une exposition permanente pour montrer les incontournables des musées juifs locaux – l’histoire locale et l’Holocauste – le CJM a ressenti le besoin d’accueillir des expositions comme « Notre lutte : répondre à Mein Kampf » (2010). ) et « De génération en génération : mémoire héritée et art contemporain » (2017). Même si des millions de personnes sont mortes pendant la pandémie, il ne s’agissait pas d’un Holocauste. Cependant, organiser une exposition sur l’art perdu dans un bouleversement mondial majeur en même temps que l’annonce que le musée n’a pas survécu avec succès au bouleversement mondial de la pandémie, semble impliquer un élément d’estime de soi.
Bizarrement coincée dans l'espace entre la salle des enfants Zim Zoom, les salles de bains et l'espace d'exposition principal au rez-de-chaussée se trouve l'exposition explicitement d'auto-félicitation « L'chaim : célébrer notre immeuble à 15 ans ». Comme son nom l'indique, « L'chaim » est un regard relativement peu critique sur la transformation architecturale réalisée par Daniel Libeskind d'une centrale électrique abandonnée en un musée d'art juif. Le mur bondé souligne surtout – mais pas délibérément – l’étrangeté de l’espace d’exposition du musée. Edward Rothstein, écrivant pour Le New York Times en 2008, a qualifié les espaces d’exposition de « troublants », notant que les galeries étaient « plus vertigineuses qu’harmonieuses ».
Lorsqu’on lui donne la possibilité d’une rétrospection, le musée sombre dans la nostalgie. « L'chaim » ressemble à un serre-livre à l'ouverture triomphale de 2008, mais il est fragile. Il évoque à peine ce que l’institution a appris sur le bâtiment et sa capacité à impliquer son public. La métaphore de la centrale électrique, si importante dans la réflexion sur les possibilités du CJM, s’est estompée. Le bâtiment reste une contribution frappante au paysage urbain de San Francisco, mais il court le risque de devenir une simple ruine parmi d'autres s'il ne parvient pas à trouver la meilleure manière de générer de l'énergie à partir de l'art juif contemporain, de la canaliser et de contribuer à éclairer, connecter et réchauffer le cœur de ses clients.
Une pièce que Rothstein a choisie dans sa critique était la « salle Yud ». Dans l'imagination de Libeskind, le bâtiment a été conçu pour ressembler au mot « Chai » avec un « chet » en forme de N et le petit crochet unique vers le haut d'un « yud ». Rothstein a rejeté le « youd » comme étant « si abstrait qu’il est invisible » et, dans une certaine mesure, il a raison. Pour mémoire, j’adore le bâtiment et les nombreux spectacles qu’il a accueillis. J'apprécie le sentiment d'être à l'extérieur mais aussi à l'intérieur et à côté d'une ruine moderne au rez-de-chaussée. Contrairement aux vastes espaces d’entrepôt de Dia Beacon, par exemple, j’apprécie les lignes nettes qui traversent l’espace, masquant les galeries les unes des autres. J'aime le sentiment de découverte et de redécouverte que l'on ressent en parcourant les zigzags des murs. Le fait que le hall d’entrée ait une intention kabbalistique, même obscure, le rend d’autant meilleur.
Mais dès le départ, la salle Yud a toujours semblé être un défi pour les conservateurs et les artistes. Cela ressemble à un drapeau important lorsque l'espace physique d'un musée est si peu attrayant qu'il inspire une exposition audio, comme cela s'est produit avec « Are We There Yet ? » un hommage à des milliers d'années de questionnement juif.
Il fallait littéralement poser des questions à propos d'un spectacle sur la propension des Juifs à se remettre constamment en question et, à l'époque, je les ai posées aux concepteurs de l'installation. La salle Yud est une petite pièce blanche, très verticale, dotée d'une myriade de lucarnes. Dans le spectacle « Rainbow » actuel de Leah Rosenberg, les fenêtres sont toutes colorées et la salle est remplie de chaises multicolores. L’un des murs présente une version au format affiche de la bénédiction que les Juifs traditionnels récitent lorsqu’ils voient un arc-en-ciel, exprimant leur gratitude envers Dieu pour avoir sauvé le monde du déluge.
La bénédiction repose sur un arc-en-ciel étendu de dizaines de rayures qui recouvre le mur jusqu'au sol comme si un arc-en-ciel venait sur terre. Les rayures s'étalent également le long d'une petite table arc-en-ciel qui fait saillie pour créer un court espace d'écriture. Pour chacune des rayures, il y a un bout de papier arc-en-ciel assorti sur lequel les visiteurs peuvent écrire des pensées, des remerciements, des poèmes ou des souhaits avant de les mettre dans une boîte à suggestions en lucite. Comme me l’a dit Fraidy Aber, directrice de l’éducation et de l’engagement civique, c’est une façon amusante et lumineuse d’utiliser la pièce. « Il y a un sentiment d’émerveillement et d’élévation dans cet espace dont les enfants parlent immédiatement. S'asseoir sur l'une des 36 chaises colorées et regarder les projecteurs arc-en-ciel remplir le grand espace et se déplacer est impressionnant.
En plus de la crainte et de la gratitude pour la rédemption, Rosenberg invite à une célébration de l’évanescent. La nature éphémère de l’arc-en-ciel le rend particulièrement beau, son apparition semble presque miraculeuse. Vous ne savez jamais si vous assisterez à nouveau à une autre célébration lumineuse de cette manière, qu'il s'agisse d'un véritable arc-en-ciel, du spectacle de Rosenberg ou, dans une métonymie appropriée, du musée lui-même.
En montant les escaliers du Yud, j'étais curieux de voir deux côtés d'un balcon reliés par une version d'un téléphone en boîte de conserve. Le nom grandiloquent de Bonny Nahmias « The Orchestra of Space Holders » agit comme une sorte de mezouza, accueillant les gens au « California Jewish Open ». Tout comme « Looted » rappelle que le musée n’a pas d’exposition permanente sur l’Holocauste, le « California Jewish Open » ne peut s’empêcher de nous rappeler qu’il n’y a pas d’exposition permanente pour explorer la judéité de San Francisco ou de Californie au CJM (même s’il y a eu une exposition réussie). à propos de Levi Strauss, dont le descendant Daniel Lurie est aujourd'hui maire élu de la ville).
Depuis les espaces vides sur le mur où les artistes antisionistes ont refusé de laisser accrocher les œuvres qu’ils avaient choisies, jusqu’à l’art de l’Holocauste, en passant par une coiffure de mariée sculptée, l’œuvre couvre toute la gamme de l’expérience juive californienne.
Certaines des œuvres de l'exposition, organisées à la suite d'un appel ouvert par Heidi Rabben (conservatrice principale) et Elissa Strauss (directrice artistique de LABA Bay Area, un laboratoire pour la culture juive), sont plus complexes et cérébrales, alors que j'ai apprécié le dreidl -une machine vidéo de jeu sur le thème, et a réfléchi à l'intersection du Yiddishkeit et du jeu anonyme d'une nouvelle manière. L’exposition provoque l’activation constante des neurones et Aber m’a dit que l’art interactif du « California Jewish Open » avait un sens à tous les âges.
« Lorsque nous demandons aux étudiants et aux jeunes enfants de réfléchir aux liens avec le patrimoine, ils parlent immédiatement des repas de fête en famille et des plats spéciaux préférés », a déclaré Aber, notant que « A Seat at the Table » d'Anna Landa, une table de Thanksgiving animée avec vidéo projetée dessus, rencontre toujours un succès auprès des jeunes.
« Ils aiment la façon dont ils peuvent se joindre à l'action directement à table, entendre les bruits familiers des plats qui claquent et se joindre au film projeté et à la conversation, voire même toucher l'argenterie et lire les fortunes éparpillées autour », a déclaré Aber. « Le bonus d'entendre un le battement de cœur lorsqu'ils mettent leurs mains sur leurs oreilles le porte à un autre niveau d'émerveillement et de compréhension. Ils le creusent.
Il s’agit d’une grande exposition pour le CJM et elle convient particulièrement à une institution qui unit les deux mots apparemment opposés « Contemporain » et « Musée » autour du « Juif », toujours complexe. Ajoutez la situation géographique implicite de San Francisco ou, comme dans ce cas, « Californie », et vous obtenez une complexité considérable. La diversité de l’exposition laisse respirer la complexité mais elle m’a aussi amené à me demander si ces artistes avaient vraiment quelque chose en commun ou si, au mieux, ils affichaient ce que Ludwig Wittgenstein appelait des « airs de famille ». La manière dont les Juifs californiens se rapportent à l'art, à la judéité et entre eux semble être une question vitale pour le CJM, mais il semble qu'elle soit arrivée trop tard.
Peut-être parce que la création elle-même semble solide, ou parce que le mot « ferme » l'ouvre phonétiquement, « firmament » semble être une base stable pour la création. Étymologiquement cependant, le mot signifie répandu, ou « atténué », et c’est cette minceur qui inspire l’artiste trans juive Nikki Green. En effet, le firmament étant une couche presque imperceptible entre le ciel et la terre, il ne constitue pas une barrière mais plutôt un point d’inflexion. Green est fasciné par ce moment de fluidité où une chose devient autre chose, puis se fixe dans un mot ou un objet – comme le « firmament » ou comme le mikvé où les Juifs passent de l’impur au pur.
Green a déjà travaillé dans des espaces explicitement juifs, créant de nouvelles versions d’objets rituels comme des mikvés portables en argile, mais il s’agit de sa première exposition personnelle dans un musée. Il y a beaucoup de choses frappantes dans l’exposition, notamment le fait qu’elle n’est pas solo ! Autour des murs s'étend un nouveau texte de «l'aîné queer» Eli Andrew Ramer, et Green met en évidence son collaborateur de longue date, Ricki Dwyer, qui a réalisé un autre «Firmament» – un revêtement de la taille d'un bâtiment, mais tissé de manière lâche, pour l'abri principal au milieu. du spectacle « Firmament » de Green.
Non seulement il semble « qu’il faut tout un village » pour produire une exposition personnelle, mais entrer dans la galerie donne l’impression d’entrer dans un village situé dans un décor ancien. Star Trek épisode. Green a placé les objets comme s'ils faisaient partie de la vie commune d'une communauté : ils sont reconnaissables, mais ont des formes inconnues. Les récipients en argile alvéolée contiennent du sel (pour la pureté et la catalyse), les demi-piliers comportent des bacs à cornichons sur leurs bases et des anges à deux têtes sont assis sur des boîtes sous le dais tissé de Dwyer. Des versions en argile de champignons et de mycéliums poussent autour de l'exposition, lui conférant une esthétique inhabituelle. Les boxes et l'abri rappellent les mishkan ou une arche portative qui était au cœur du culte juif il y a des millénaires, mais qui nous semble étrangère aujourd'hui. Les réserves de sel et les bacs à cornichons — ainsi que les textes accrochés aux murs — sont autant de moyens de nous faire prendre conscience de l'état de fermentation dans lequel nous vivons.
Nous sommes tous en pleine évolution ; même le village le plus calme ou le musée le plus solidement rénové est soumis à la fluidité de la vie. Mais ce qui est important, c’est la lutte pour la libération et la liberté. Et, en adoptant une « fluidité résiliente », peut-être que le CJM survivra sous la nouvelle forme qu’il trouvera.
