J. Hoberman est l'un de nos meilleurs critiques culturels les plus prémonitoires – et après une douzaine de livres, son dernier, sa dernière, Tout est maintenant: les années 1960 avant-garde de New York – événements primaires, films souterrains, radical pop – Se présente comme son magnum opus. Epic In Scope, c'est une vaste taxonomie centrée sur le New York et le jet-down d'Arcana pour rivaliser avec le mentaculus – une carte de probabilité de l'univers conçu par le personnage joué par Richard Kind dans le film Coen Brothers Un homme sérieux – Et ici, Hoberman relie tous les points pour vous.
Le livre est un châtiment exhaustif (sinon épuisant!) Plusieurs pages à travers le passé avant-gardiste des années 60 – un récit soufflé par an de toutes les hauts et les bas de l'ancien film radical de la ville, de la musique, du théâtre, de la peinture et des scènes de conception architecturale écrites par l'ancien critique de cinéma en chef de l'Hépre Voix du village.
C'est une accrétion stupéfiante de noms, de dates et de descriptions de nombreuses œuvres clés (peintures, albums, films et événements théâtrales) qui ont émergé et prospéré à New York et dans les années 60 qui se balançaient, associées à une analyse courante de nombreux événements point de repère qui brûlent encore dans l'esprit d'une poignée d'historiens de la culture, de convints de la terre des arts transgressifs – et même quelques-uns des artistes eux-mêmes.
Comme la ville elle-même, elle est à la fois remplie de tout et rien, documentant chaque innovation culturelle fleurie dans la serre artistique de New York tout en les mettant en contexte avec des événements historiques mondiaux simultanés pour capturer le rythme cardiaque artistique vivant, le zeitgeist très de la ville dans cette époque. Il s'agit d'un guide inestimable pour toute personne impliquée à distance ou intéressée par les arts en dehors de l'entreprise traditionnelle Pablum Puplued Big Brother à partir de chaque orifice médiatique omniprésent.
Une pléthore d'artistes juifs
J'ai d'abord pris conscience de Hoberman avant de déménager à New York au milieu des 1977 par le biais d'Art Spiegelman Arcade: The Comics Reviewdont plusieurs problèmes contenaient des essais en cours «Confidentiels de l'âge spatial» de Hoberman. À mon arrivée dans la ville, j'ai trouvé ses critiques de films dans le Voix du village Sharp, plein d'esprit et précis, confirmant son énorme magasin intellectuel de connaissances culturelles et de conscience. Et quand Hoberman a succédé à Andrew Sarris en tant que critique de cinéma en chef en 1988, j'étais heureux, car je sentais que je pouvais faire confiance à ses recommandations critiques sur les films qui pourraient être dignes de plonger quelques shekels pour (ce sont les jours).
Une pléthore d'artistes juifs basés à New York, de théoriciens et d'impresarios, dont Bob Dylan, Lenny Bruce, Allen Ginsberg et Lou Reed, figurent en bonne place dans ce livre. Mais peut-être le plus important pour moi, les cinéastes underground pionniers Ken Jacobs et Barbara Rubin. Jacobs a hardiment emmené le cinéma dans des royaumes sensoriels inexplorés avec son système nerveux fantomatique à double image de films stroboscopiques, que l'artiste lui-même a décrit comme «au-delà de l'endurance humaine». Plusieurs de ses films se sont spécialisés dans la re-contextualisation ont trouvé des images, qui figuraient en grande partie dans la pierre de touche souterraine séminale de 1963 Cobra blonde.
J'ai rencontré Ken en avion à Munich en 1992 pour le premier festival de la culture juive radicale de John Zorn, ce qui m'a amené à collaborer avec Jacobs sur l'une de ses projections de système nerveux à l'ancienne usine de tricot sur Leonard Street. Notre collaboration était intitulée «Le mariage du paradis et de l'enfer» après William Blake, et j'ai fourni une improvisation en direct de la guitare en solo en tant que bande originale de sa projection colorisée et glaciaire ralentie du défilé d'un momier. Le cinéma underground Maven Jonas Mekas était présent et le caricaturiste Art Spiegelman, qui m'a regardé de manière ponctuelle après notre performance (apparemment je n'étais tout simplement pas assez bruyant).
Barbara Rubin était un catalyseur culturel majeur – un décrocheur de lycée extrêmement confiant du Queens par le biais d'un séjour précoce de l'hôpital psychiatrique – qui a traversé la rivière à Manhattan et a été embrassé par le film sous terre lituanien Rabble Rouser Jonas Mekas et la cinémathéque de son cinéaste. Rubin a connecté le Velvet Underground à Andy Warhol et a joué le rôle de Muse à Bob Dylan (elle est sur la couverture arrière de Ramener le tout à la maison se profile sur Dylan au piano et berçant la tête). Elle a organisé et monté l'incarnation de poésie internationale révolutionnaire au Royal Albert Hall de Londres avec un Souded Allen Ginsberg et d'autres poètes qui s'occupent d'un public de 7 000 personnes comme immortalisées dans le Doc de Peter Whitehead en 1965 Communion entièrement.
Plus important encore, elle a réalisé son propre film scandaleux, 1963 Noël sur terre (à l'origine connu sous le nom C – kk et c – ts), qui présentait des examens presque gynécologiques de corps nus engagés dans des relations sexuelles gais et hétéros. Le film est l'antithèse de l'érotique, mais a été systématiquement interdit de nombreux théâtres à New York. Après une expérience de vie commune ratée avec Ginsberg, Peter Orlovsky et d'autres, Rubin a renoncé à son style de vie bohème en roue libre pour devenir un adepte hasdidique orthodoxe strict du rabbin mystique Nachman de Breslov. Elle a finalement épousé un peintre juif français et est décédée à 35 ans dans le sud de la France tout en livrant son cinquième enfant.
Hoberman expose également longuement sur le mouvement artistique non intense de Boris Lurie. Il y a quelques années, j'ai été invité à rester et à jouer dans une commune d'artiste fantastique à la périphérie de Wien installée dans un complexe d'usine désaffecté et désaffecté. Ce petit village a été en nid d'abeille avec des studios et des appartements modernisés et se vantait d'un ruisseau bucolique coulant à proximité des anciens terrains d'usine. Il y avait une salle de dépistage, une vaste cuisine commune, d'énormes ateliers et des espaces de vie, et même une gamme de tir à l'arc en salle. Ils avaient également une bibliothèque volumineuse de livres liés à l'art, où tout à fait par accident, je suis tombé sur un catalogue de l'œuvre de Boris Lurie, qui, en 1959, avec ses collègues artistes juifs Sam Goodman et Stanley Fisher, a créé un formidable art anti-pop, la galerie de mars d'East Village.
Lurie et ses cohortes faisaient parfois référence à leurs peintures et dessins sur le thème de l'Holocauste comme l'art juif. Leur travail était audacieux et choquant, en particulier les collages de Lurie, qui ont mélangé des croix gammées et des images de gâteau au fromage des pages en ruine des magazines d'hommes en lambeaux. Jusqu'à ce que j'entre dans cette bibliothèque commune à Wien, cependant, je n'avais jamais entendu parler de cet artiste, dont le travail m'a frappé comme une révélation. Et pourtant NOART de Lurie! revient dans le livre de Hoberman.
Art vs. Commerce
Même si je suis un avant-guitariste, auteur-compositeur et compositeur qui porte des cartes basé à New York qui s'est tenu au courant de la scène avant-gardiste de la ville même pendant que je grandissais à Syracuse via un abonnement aérien à la Voix du villageJ'ai été submergé par la pure accumulation de détails qui s'accumule dans l'étude de Hoberman sur ce qui a commencé comme de simples hoquets artistiques, des rides virtuelles dans le temps, de minuscules révolutions dans la nuit sur la Bowery ou le Lower East Side ou un certain nombre de lieux. Beaucoup de détails inclus enverront des hipsters professionnels se précipiter sur YouTube ou Wikipedia ou Google pour étoffer les CV de divers artistes et leurs artefacts ainsi que leurs ressentiments et les querelles en cours (qui Hoberman, dans une brillante tournure de phrase, des étiquettes comme «le narcissisme de petites différences»).
Il serait utile que Virso ait publié ce livre avec un DVD auxiliaire de faits saillants de nombreux films underground mentionnés, ou un catalogue avec des reproductions de nombreuses peintures et sculptures auquel Hoberman fait référence, ainsi qu'un CD contenant une partie de la musique de la MC5, du Sun Ra, Bob Dylan, du Fugs, du Moondog, du MC5, Albert Ayler).
Tout cela nous amène à un carrefour crucial – à savoir le lien de l'art et du commerce.
La plupart de l'avant-action décrite ici a eu lieu à une époque où les loyers pour les artistes à New York étaient de terre bon marché, et d'énormes espaces de lofts pouvaient être achetés sous Houston Street pour une chanson. Cela a évidemment changé – les espaces de travail abordables pour les artistes de la ville sont une chose du passé lointain, et la gentrification globale a atteint jusqu'à Bushwick, Red Hook, Greenpoint et au-delà (le prix d'une tasse de café assez amer dans mon local de West Village approche rapidement cinq dollars). Pour la plupart des Gen Z'ers, la lecture de ce livre, poursuivant une carrière en tant qu'artiste ou musicien ou acteur créatif aujourd'hui est à peine une option, sinon impensable.
Et pourtant, dans le récit des événements par Hoberman, il ne semblait pas y avoir autant de carriérisme de la part de beaucoup de ces artistes blottis aspirant à être libre. La joie était dans le pur acte de création elle-même. Chaque jour de la décennie semblait apporter une autre innovation audacieuse dans les films, la musique pop, le théâtre, la peinture et le design – «Styles of Radical Will» (le titre de la collection d'essais en 1969 de Susan Sontag) – se transformant en nouvelles formes kaléidoscopiques à des vitesses désastreuses. La nouvelle popularité de masse du LSD, qui a commencé comme un passage du rite du West Coast sous sous Ken Kesey et les joyeux farcers – «Pouvez-vous passer le test acide?» – était un accélérateur évolutif majeur, promu sans relâche par Timothy Leary psychédélique Timothy Leary avec le médicament en tant que sacrement et le voyage acide comme une expérience religieuse.
Et avec l'ombre de la bombe et la guerre presque universellement méprisée au Vietnam qui se profile dans toute cette activité artistique volcanique, il y avait beaucoup d'engagement politique correspondant: actions de la rue Yippie et provocations perturbatrices; Comités d'urgence avec des acronymes de lettres de majuscules pour des groupes composés de deux ou trois artistes en colère (au mieux) de piquets de grève du MoMA; des manifestations anti-guerre massives; Jérémèdes et dénonciations en haut des médias traditionnels à gauche et à droite; et des crimes réels commis (une vague de bombardements) contre des biens et des innocents par des factions et des individus anarchiques, certains d'entre eux vraiment effrayants (je pense ici aux mères et à leur ramification plus vicieuse des fous, dont la rhétorique violente a été prise à la limite par la méconnaissance de Warhol de Valerie Solanas). «City Fun», en d'autres termes (la phrase du maire John Lindsay, inventée en 1966 le premier jour d'une grève de transit paralysante).
Ceci est un livre essentiel. Vous pouvez enseigner dix classes différentes sur à peu près tous les aspects de l'histoire de New York dans les années 60 en utilisant Tout est maintenant comme manuel fondamental. Les meilleures parties sont lorsque Hoberman s'insère dans le cadre avec les descriptions des performances à la première personne « dont il a été témoin – en particulier une projection presque vide dans le loft de la réalisatrice et de la personnalité de Flamboyant Underground Jack Smith (Créatures enflammées), qui avec Taylor Mead, Ron Rice, Charles Ludlam, Kenneth Anger et d'autres notables ont constitué un panthéon de stars et de réalisateurs campés qui ont traîné la culture gay souterraine au-dessus du sol, et dont l'influence se propageait dans le monde entier.
Comme nous le rappelle constamment le livre de Hoberman, de paraphraser Lou Reed, ce sont certainement des moments différents.
